Cynthia Cuvier

Et si je réalisai mon rêve de faire un album jeunesse ?

Inspirations

Commencer un projet plus important que les autres demande parfois de se pencher en profondeur sur ses inspirations.

C’est ce que je fais, depuis que j’ai décidé de me lancer dans cette grande aventure. Mon premier réflexe a été de récupérer chez mes parents quelques livres que j’adorais quand j’étais enfant, et de m’en procurer d’autres qui dormaient dans des bibliothèques personnelles. J’ai pris le temps d’analyser pourquoi ces livres me parlaient autant et encore aujourd’hui : les couleurs, le style, l’ambiance, la poésie du texte…

J’ai déterré les souvenirs d’enfance, j’ai réfléchis à tout ce qui m’inspire depuis toujours, tout autour de moi. J’ai regardé mon monde d’enfant avec mes yeux d’adulte, regardé mon monde adulte avec mes yeux d’enfant. Je continue de me nourrir chaque jour, de garder sur le monde un regard émerveillé.

C’est ce regard qui me sert boussole dans ce grand voyage, qui sait où cela me mènera ?

9 mai 2022

Et si je réalisais mon rêve de faire un album jeunesse ?

Apprendre

Je fais partie de ces personnes qui sont intimement convaincues que l’on passe notre vie à apprendre, si seulement on le désire. Et que c’est quelque chose de vraiment cool.

Et ce qui ne gâche rien… c’est que j’aime apprendre. J’aime en connaître toujours plus sur la faune et la flore, apprendre de nouveaux points de tricot, comprendre comment et pourquoi telle ou telle chose existe.

Et cet apprentissage peut se faire de tellement de manières différentes ! En observant, en posant des questions aux personnes qui en savent plus que nous, en lisant des livres, en regardant des vidéos, en testant.

Pour mener à bien mes projets d’albums, j’apprends en écoutant et observant des personnes qui ont déjà illustré et /ou créé des livres pour enfants en prenant des cours en ligne. Je regarde des documentaires sur des gens créatifs , je vais lire des blogs de personnes créatives, j’analyse des illustrations que j’aime, je me renseigne sur la photographie. Et je teste, je teste mes médiums favoris en les utilisant de manière différente, sur des papiers différents.

Tout peut être apprentissage. J’apprends de nouvelles techniques, des autres et surtout de moi.
2 mai 2022

Et si je réalisais mon rêve de faire un album jeunesse ?

Etre entouré
Les projets, tout personnels qu’ils soient, ne doivent pas pourtant nous isoler. Nous devons nous entourer. Ne pas se renfermer sur soi, ne pas les vivre seul mais partager, peut nous ouvrir des possibilités que l’on auraient pas imaginées, juste parce que l’autre va prononcer un mot, donner un avis. En plus de tout simplement faire du bien !

Cela n’altère en rien la maternité /paternité de nos projets, ni leur légitimité. Nous nous inspirons consciemment ou non d’autres artistes que ce soit dans l’illustration, la littérature, la photographie, les films… De la même manière, savoir s’entourer et s’inspirer de cet entourage pour faire quelque chose d’unique est primordial. Il en résulte un processus magique et passionnant.

Il y a beaucoup de gens qui me soutiennent, certains au quotidien, d’autres plus épisodiquement. Je ne vais pas tous les citer ( ce serait trop long!) et bien qu’ils aient tous la même importance, je veux vous parler de Léa et de Bran.

Avec Léa, on échange sur tout. Nos projets, nos découvertes créatives, des podcasts et livres que l’on aime. Elle a un parcours hétéroclite avec comme fil rouge l’art et de l’artisanat. Souvent, nous dissipons les doutes de l’autre. C’est une personne d’une douceur infinie et à la créativité sans limite.

Bran est mon œil extérieur sur mes deux projets d’albums. C’est une grande passionnée de littérature jeunesse, des albums pour les tous petits aux romans pour les plus âgés. Elle a notamment fait des études d’art, mais si c’est elle mon œil extérieur, c’est pour sa passion, et pour ses qualités indéniables :bienveillance, ouverture d’esprit, amour des autres, volonté de transmettre et sensibiliser sur ce qui lui tien à cœur. Elle est aussi passionnée que moi par mes projets d’albums, je partage avec elle chaque réflexion, chaque découverte, avancée, doutes…

Savoir s’entourer s’est aussi s’assurer de garder sa motivation, de garder espoir et foi en ses projets. Il est indéniable que si ceux que je porte en moi depuis des mois arrivent à éclore, ce sera en partie grâce à ces personnes formidables qui me soutiennent au quotidien.
27 avril 2022
creative, be creative, write

La créativité en 10 points

La créativité fait parti de ces concepts à l’aura fantastique. Cela vous est certainement déjà arrivé d’admirer une personne que vous jugiez créative et peut-être même de l’envier. Heureusement pour nous, la créativité se stimule, se nourrit et n’est donc pas quelque chose d’inné 😉

J’ai eu envie cette fois-ci de vous partager ma réflexion en quelques points qui me semblent importants pour appréhender cette notion, mais sans classement précis. La créativité a pour moi quelque chose de magique et c’est un vaste sujet à explorer !

Mais avant tout, il me paraît indispensable de la définir, afin que nous soyons sur la même longueur d’onde. Selon le Larousse, elle est la faculté d’invention, d’imagination ; un pouvoir créateur. Elle mène donc à la création, cette faculté à créer une œuvre originale à partir de rien, du néant.

Ces deux notions sont régulièrement assimilées, confondues, alors que la deuxième découle de la première.

La créativité consiste à voir ce que les autres voient et à penser ce que personne n’a jamais pensé.

Albert Einstein

  • Les idées qu’elle génère apparaissent souvent sans crier gare et avec elles déferlent souvent une euphorie, une envie de création qui peut être incontrôlable. La créativité ce sont des émotions fortes qui s’enchaînent : l’euphorie de la création, qui brûle tout, combine les inspirations des jours, semaines, voir mois passés et qui accouche de quelque chose de beau (ou non!) puis la redescente, le moment de se nourrir à nouveau. Maintenir un «équilibre » entre ces deux phases, les mener conjointement n’est pas toujours évident.

  • La créativité se fiche des cases et se nourrit de la diversité. Elle se manifeste rarement dans un seul domaine, les personnes que l’on qualifie de créatives expriment souvent ce caractère en pratiquant plusieurs activités. Leurs créations peuvent donc être hybrides et piocher dans les différents domaines maîtrisés.

  • La créativité c’est laisser parler l’enfant que l’on a été et qui est encore tapi en soi en lui offrant des possibilités qu’il n’aurai jamais pu avoir à l’époque, en lui donnant accès à des outils et des savoirs tout en le nourrissant de nos expériences.

  • La faculté d’invention engendrée et stimulée par la créativité permet de passer à l’étape concrète de la création. Et c’est souvent comme une drogue. Il est difficile de se passer de création quand on aime ça ! Elle favorise ainsi la ténacité et l’apprentissage par essais-erreurs.

  • Pour se renouveler, la créativité a besoin de repos et surtout d’ennui. L’ennui la stimule, car il laisse le temps au cerveau d’infuser les informations diverses qu’il reçoit, de les classer, de créer de nouvelles connexions. Le créativité est le fruit de ces nouvelles connexions.

  • Je vous ai déjà évoqué qu’en matière de dessin, je marche à l’émotion pure et c’est elle qui nourrit principalement ma créativité, ma façon de ressentir le monde. Mais là encore, il n’y a pas de règles ! Elle peut-être nourrie en observant le monde, en essayant différentes activités pour aiguiser son point de vue et surtout le multiplier. Images, sons, couleurs, silence, jardinage, tricot, couture, écriture…

  • La créativité prend donc des visages différents lorsqu’elle s’exprime via un projet: cela peut être écrire un roman, dessiner, agencer des fleurs pour créer un bouquet, mais également utiliser le contenu de la poubelle de recyclables pour en faire une maison de poupées pour une petite fille. (oui oui, ça sent le vécu 😉 ) Un sentiment peut être à l’origine d’une chanson, une chanson peut être à l’origine d’un dessin, une couleur à l’origine d’un roman, un mot à celle d’un vêtement.

  • Elle est une motivation pour apprendre de nouvelles choses afin d’atteindre un but précis car elle se nourrit également de pluralité et de perfectionnement de compétences.

  • La créativité permet de réinventer le monde constamment, ou du moins d’envisager de le faire. Elle est surtout un biais inégalable pour l’appréhender et y trouver sa place. Comme je l’ai évoqué plus haut, elle ne rentre dans aucun cadre pré-établit, elle se nourrit de pluralité et s’exprime donc aussi dans n’importe quel contexte : qu’il soit personnel ou professionnel.

  • Elle est source de découverte et de partage. Partager le savoir qu’elle nous a permit d’acquérir est un des aboutissements qui de mon point de vue à le plus de sens. Partager ses expériences à un enfant qui a envie d’apprendre à dessiner, donner des clés à quelqu’un qui a envie de se lancer dans l’écriture d’un roman, entre autres exemples.
brain, mind, psychology

Comme l’exprime joliment un créatif que vous verrez bientôt passer sur ce blog « Je ne me vois pas comme un artiste mais comme un créateur ».

Je trouve cette manière d’appréhender les choses vraiment magnifique. Ce seul mot de créateur est plein de promesses et de challenges ! J’espère que ces dix points sur la créativité pourra nourrir votre propre réflexion et n’hésitez pas à me dire en commentaires si cela est le cas !

Maintenant je file écouter un des derniers podcasts de Camille David auteur, Écrire sans ratures n°30, que je m’étais interdit d’écouter avant d’avoir fini cet article, pour ne pas être influencée par ses bons conseils et ses réflexions toujours justes.

L’art subtil de l’échec

Échouer.

Ce mot détient une aura plus que négative, on ne va pas se mentir. Personne ne veut échouer et si cela se produit malgré les efforts, arriver à l’accepter peut s’avérer difficile. Mais échouer, c’est la vie qui nous donne une chance de rebondir, d’évoluer, de nous adapter.

Je sais que certains d’entre-vous me répondraient volontiers que c’est un discours que tiennent les personnes qui n’ont jamais rien réussit du premier coup, et qui cherchent pas là une justification pour se sentir moins nuls. Ne niez pas, c’est une phrase qui revient souvent. A ceux-là je répondrais qu’ils voient tout en binaire et que le blanc et le noir, si on prend la peine et le temps de les mélanger, peuvent donner naissance à de superbes gris. Ne pas réussir du premier coup n’est en rien un échec, cela le devient si on ne retente pas à nouveau. Quoique… sur cette dernière phrase, je ne suis même pas sûre d’être en accord avec moi-même. Car l’on peut réellement échouer à quelque chose mais être satisfait du chemin parcouru et des enseignements qu’il a semé çà et là, non ?

Oui, pour moi, l’échec reste une des meilleures manière d’apprendre, de se perfectionner et d’avancer. Cela vous semble peut-être paradoxal ? Ça ne l’est pas tant que ça.

Dans l’article consacré au carnet de croquis, je vous ai parlé de l’indulgence que l’on devait avoir avec soi-même quand on estime que son travail n’est pas à la hauteur. Mais pour que cela soit formateur, il faut revenir sur son travail et s’en détacher.

  • Qu’est-ce qui fait que vous l’estimez raté ?
  • Auriez-vous pu mieux traiter le sujet ? Ou différemment ?
  • Mieux le mettre en lumière ?
  • Utiliser une technique différente ?
  • Utiliser la couleur plutôt que le noir et blanc ou inversement ?
  • Utiliser plus ou moins de pigment dans votre aquarelle ?

Toutes ces questions semblent simples, mais les réponses que vous en tirerez vous permettront d’avoir un autre point de vue sur votre dessin. Essayez de voir votre travail objectivement. Le plus simple pour cela est de le considérer comme s’il appartenait à une autre personne venue vous demander votre avis, des conseils. Ainsi, ce que vous considérez comme un échec deviendra une belle opportunité de voir où se trouvent vos faiblesses, par rapport à l’objectif que vous vous êtes fixé.

Quand vous les aurez identifiées, viendra le moment de voir comment rebondir, comment améliorer ce qui vous pose problème. Je ne sais pas si c’est le cas pour tout le monde, mais je sais que c’est le mien : je passe au moins un tiers de mon temps à échouer à faire ce que je désirais. Et donc à recommencer : soit le même dessin, soit un différent mais en appliquant les leçons que je viens d’apprendre grâce à l’échec précédent.

Je ne dis pas que ce que vous considérez (ou que les autres considèrent) comme un échec ne vous démoralisera jamais, et que c’est un exercice facile que d’essayer de produire une critique constructive sur son propre travail. Cela s’apprend, comme le reste ! Mais il faut être persévérant, accepter de se remettre en question. Et bientôt, peu de dessins que vous estimez ratés, ou peu agréables à regarder seront à vos yeux des échecs. Ils seront au contraire une terre de promesse jonchée de possibilités d’amélioration, que ce soit dans la gestion d’un médium, l’apprentissage d’une technique ou encore la composition de votre image.

Un petit exemple concret ? Ce que j’avais en tête pour cette grenouille se rapproche plus de la dernière version. la deuxième est donc un échec si l’on parle de l’esthétique que je voulais donner à l’illustration. Mais cela ne veut pas dire que la première version finale est pour autant à jeter. Elle m’a permit de voir ce que je ne voulais pas, ce que je devais faire autrement.

Pour que ce processus soit possible, il est à mon sens quelque chose de fondamental à prendre en compte, surtout dans le cas où l’on est seul face à son dessin: Pourquoi considérez-vous que c’est un échec ?

  • Car vous n’avez pas réussi à faire exactement ce que vous aviez en tête ?
  • Vous avez réussi mais esthétiquement il ne vous plaît pas ?
  • Vous êtes-vous donné un objectif réellement atteignable ? Si non, quelles sont les étapes indispensables, ce que vous devez acquérir en compétences pour tendre vers lui avec plus de sérénité ?

Le sentiment d’échec peut-être en parti induit par votre intuition. Celle qui vous dira aussi que telle illustration est plus réussie qu’une autre. C’est un paramètre à ne pas négliger et il faut savoir quelle part elle prends dans ce sentiment.

Tout cela vous semble peut-être couler de source : que ce sont des platitudes et que cela ne vaut pas le coup de faire un article sur le sujet. Peut-être, après-tout. Pour autant, c’est réellement comme ça que je navigue sur les flots de la mer créativité et bien évidemment, sur les flots de la vie.

Et ce n’est pas un raisonnement si simple à mettre en place. Pourquoi ?

Je pense que l’on peut trouver tout un tas de raisons. Nous pouvons ici en aborder quelques unes :

  • Persévérer demande un effort conscient, c’est plus difficile à mettre en place que de rester sans rien faire une fois que l’on estime avoir échoué.
  • Cela demande de se remettre en question et ça non plus, ce n’est pas simple !
  • Après 3 essais infructueux, nous avons tendances à considérer que c’est la norme. (Cette règle marche aussi dans l’autre sens. Après 3 réponses identiques à une situation, nous avons tendance à considérer que cela est la norme et que ça se déroulera toujours ainsi par la suite)
  • La positivité se travaille. Si, si, je vous assure ! Même lorsque l’on est naturellement de la team « verre à moitié plein », il faut parfois se le rappeler pour ne pas s’embourber dans l’échec et le transformer en quelque chose de positif.

Venez, et rejoignez-moi dans la team « verre à moitié plein », on y est bien 😉

Et vous l’échec, quelle réflexion provoque-t-il en vous ? Le transformez-vous ? Si oui, de quelle manière ?

Liberté de style

« Liberté, je parle de la liberté créative. Celle de se permettre de sortir de son propre style. Celle de tester de nouveaux médiums, et d’accepter de ne pas les maîtriser aussi bien que d’autres. Celle d’être soi et d’accepter que son apprentissage personnel n’est pas aussi fulgurant que celui de certains. »

Les mots précédents reflètent tout à fait mon état d’esprit du moment. On na va pas se mentir, que l’on soit artiste professionnel ou non, de nos proches à nos abonnés sur les réseaux, tous nous reconnaissent via notre style de dessin, notre « patte ».

Mais qu’est-ce que le style ?

Il est souvent un but à atteindre à un moment donné ou un autre, tout du moins pose-t-il question, et ce n’est pas pour rien que j’aborde aujourd’hui ce thème avec vous 😉

Le style est l’identité visuelle, ce qui fait qu’au premier coup d’œil nous pouvons reconnaître que untel est l’auteur de cette illustration.

Comme toute chose, il a plusieurs facettes. Bien qu’il soit naturellement perçu comme positif, le style peut aussi être un poids parfois.

Personne ne va me contredire, c’est agréable quand quelqu’un vous dit « J’étais sûr en le voyant passer sur mon fil d’actualité que c’était toi ! ». C’est agréable de maîtriser et s’approprier une ou plusieurs techniques de dessin qui nous rendent unique par le traitement que l’on en fait ; et surtout qui soit reconnue au premier coup d’œil. Surtout si cela vous aide à trouver votre public et par la suite à le fidéliser.

L’identité visuelle est nécessaire, mais parfois cela peut aussi être limitant. Est-ce que votre travail sera tout aussi apprécié si vous changez de médium ? S’il est moins ou plus réaliste ? S’il est plus ou moins détaillé qu’avant ? Ce genre de questions peut nous pousser à rester dans notre zone de confort et nous empêcher de tenter de nouvelles expériences.

Le style n’est pas pour moi une fin en soi. Je suis convaincue que ma « patte » se retrouve dans chacun de mes dessins, quelque soit le médium, quelque soit le sujet. Car nous avons chacun notre façon propre de percevoir notre environnement et donc de le représenter.

Et puis ce style, il vient en travaillant, en s’exerçant. Cela ne sert à rien de le chercher à tout prix.

Se donner une direction pour travailler, là est le plus important : un nouveau médium, un sujet inhabituel, remplir un carnet de croquis, faire une série d’illustrations sur un thème…

Car le style évolue par essence et il ne faut pas avoir peur de le laisser évoluer, même si les changements semblent drastiques, par peur que les autres, les gens, le public, notre communauté, ne nous suive plus, ne reconnaisse plus notre travail. Personnellement, je trouve très intéressant quand un artiste que je suis prend une nouvelle direction, un nouveau tournant.

Le style est comme une rivière. Parfois il est limpide, d’autre plus trouble, file droit ou sinue dans la lumière ou les recoins sombres. Il sort de son lit dans un grand débordement ou y chemine timidement.

Devenir artiste

Expérimenter, permet de découvrir ce dont on est capable, ouvre des possibilités. Quand on s’intéresse à l’œuvre d’un artiste connu, il est très courant de lire « ce tableau date de sa période bidule et représente un véritable tournant dans son œuvre ». Ce n’est pas un hasard 😉

Être artiste n’est ni plus ni moins que porter en étendard sa curiosité et son envie de créer, de découvrir et de partager. Ce n’est donc pas un métier, un statut particulier, ce serait plus comme une philosophie de vie. La bonne nouvelle, c’est que cela est accessible à tout le monde. 😉

Ces propos n’engagent bien évidemment que moi, et je sais que beaucoup ne seront pas d’accord avec cela. ( J’exclus ici volontairement de ma « définition » le statut juridique d’artiste-auteur, car ce n’est pas le propos aujourd’hui. )

Quoi qu’il en soit, il faut être indulgent avec soi-même et accepter que parfois, on se retrouve novice dans notre propre domaine lorsqu’on aborde de nouveaux thèmes ou de nouveaux médiums. Et c’est là un moment plus que propice pour apprendre ! Parfois il faut oublier ce que l’on connaît pour pouvoir aborder de nouvelles choses avec un regard neuf.

Pourquoi ne pas en profiter pour revenir à l’essentiel en se posant certaines questions :

  • Pourquoi ai-je envie de me lancer à apprendre ce nouveau médium ?
  • Quelle est la raison profonde qui me motive pour ce projet précis ?
  • Pour qui je dessine (pour moi, pour un client) ?
  • Quels sont les risques réels si je me plante  sur ce projet-ci ?
  • Qu’est-ce qui fondamentalement fait mon style (les traits, les médiums utilisés, ce que je fais passer ? Un mélange de tout ça 😉 ) ?

Je serais curieuse de savoir comment vous définissez le style et le fait d’être artiste, alors n’hésitez pas à me partager vos réflexions sur le sujet !

De l’idée à l’illustration

C’est l’histoire d’une idée. Et d’une envie.

Je pense que les idées sont toujours liées à des envies  ou des besoins : essayer quelque chose de nouveau, améliorer quelque chose de déjà connu, innover, se dépasser, transmettre…

C’est l’histoire d’un projet, celui que j’ai de réaliser 29 illustrations de faune et de flore dans un but précis, un style précis, en lien avec une activité récente dans ma vie : la méditation.

Je suis autodidacte, j’ai donc appris à dessiner en fonction de mes envies de découverte, des médiums qui me tombaient entre les mains. D’abord en recopiant des images, puis des photographies qui provoquaient chez moi une certaine émotion et/ou curiosité. Je me suis naturellement tournée vers la flore et surtout la faune, la nature et principalement la forêt ayant toujours été une grande source de fascination pour moi.

Je suis donc loin de pouvoir vous donner des conseils avisés sur la pertinence du choix de votre sujet, la manière de composer une illustration afin que le regard de celui qui la rencontre se promène harmonieusement. Ce que je peux vous partager, ce sont les constats que je fais, au fur et à mesure des pérégrinations de mes crayons.

Dessiner n’est pas forcément illustrer et illustrer n’est pas forcément dessiner.

Je vois vos mines perplexes d’ici 😉

Dessiner peut être simplement reproduire une image, une photographie. Ce qui a été pendant longtemps mon approche. C’était la mise en pratique de mes observations, car j’observais beaucoup, et pour comprendre ce que j’observais, j’avais besoin de tracer, retracer les lignes.

Cela est nécessaire, c’est tout simplement entraîner son regard, son esprit ; apprendre à décomposer une image, à percevoir les couleurs et la façon dont elles se mêlent.

Quand je me lance sur un dessin, la plupart du temps je me lance pour le finir, même s’il ne va pas être comme je le souhaite et que je le découvre en cours de processus, même s’il faudrait que je m’arrête avant. J’ai besoin de mener mes dessins à terme pour comprendre tout ce qui marche ou non, et pourquoi. Je ne dis pas que c’est la meilleure manière de procéder, loin de là, car vous pouvez y voir une perte de temps et d’énergie. Mais bien plus que la théorie, cette mise en pratique régulière est pour moi très formatrice.

Y a t’il objectivement une bonne manière de faire ?

Celle qui vous vient peut-être naturellement à l’esprit est une manière scolaire, celle que l’on enseigne dans les cours. Mais il y a tant de manière d’appréhender une discipline, et quelque soit celle que vous choisissez, celle qui s’impose à vous sans que vous y pensiez, vous devrez passer par la compréhension et l’appréciation de différents concepts et différentes techniques.

L’illustration ? J’ai deux manières bien distinctes de la concevoir.

La première, c’est quand vous arrivez à intégrer votre regard à l’objet que vous dessinez. Il en prendra de la profondeur, deviendra le vecteur d’une ou plusieurs émotions, pourra véhiculer un message. L’illustration est donc le dessin poussé à une dimension supérieure que juste une image posée sur papier. Car ne nous voilons pas la face, nous ne dessinons pas uniquement avec ce que notre regard perçois, mais aussi avec ce que l’on pense de ce que l’on observe.

La deuxième est plus méthodique. Elle est liée à une idée que vous avez en tête, vous souhaitez lui faire prendre corps afin de l’ancrer dans le réel. Il va vous falloir, entre-autre, réfléchir à certaines choses, celles sur lesquelles je me garderais bien de vous donner les fameux conseils avisés :

  • Le sujet principal à mettre en avant ?
  • Avez-vous une thématique précise à respecter ?
  • Un style particulier à respecter ?
  • La composition ( les différents plans, les couleurs, les ombres, les personnages ou objets significatifs… )
  • Le format ( qui pourra dépendre par exemple du but de l’illustration s’il y en a un. Va-t-elle être exploitée telle quelle ? Sur un objet ? Une affiche?

Je suis comme vous, j’apprends tous les jours, mais avoir ces choses-là en tête aident beaucoup.

Le seul conseil que je puisse vous donner ici, et le plus important à retenir en fin de compte serait : observer, essayer, ressentir vos traits sur le papier.

Observez ce qui vous entoure, la nature, avec curiosité, comme si vous voyiez les choses pour la première fois. Combien de parties composent cet objet ? Comment se nomme cette couleur précise ? Comment tout s’agence pour créer la souplesse de cette fleur ? Comment je comprends que les pétales sont légers ? Observez d’autres personnes qui dessinent, essayez de comprendre leurs gestes.

Un petit truc pour aiguiser votre observation Imaginez les éléments interagir avec ce que vous observez : Comment le vent s’infiltre-t-il entre les pétales ? Où est-ce que l’eau resterai piégée et ou coulerai-t-elle sans entrave ? Comment la lumière pénètre t’elle et se reflète t’elle ?

Essayez, il n’y a pas de secret, il faut s’entraîner ! Il n’y a que comme cela que l’œil et la main travailleront en harmonie et que les automatismes laisseront une place plus importante à la créativité et l’inventivité ! Acquérir de la technique est nécessaire.

Ressentez, cela fait un peu mystique, mais… lorsque l’on ressent en dessinant, l’émotion, le message, n’en sera que plus palpable lorsque l’illustration sera terminée. C’est ce que j’évoquais plus haut en vous disant que l’on ne dessine pas seulement ce que l’on voit, mais également ce que l’on pense, ce que l’on interprète.

Et vous, quels conseils avez-vous envie de partager, qui vous aide à passer de l’idée à l’illustration ? Les commentaires vous ouvrent les bras, n’hésitez pas 😉

Le Carnet de croquis

Le carnet de croquis, un indispensable ? Tout dépend de vous !

Tout est parti d’une résolution: me créer un grand carnet de croquis et faire en sorte qu’il ne me quitte jamais. Classique, me répondrez-vous, surtout si vous avez en tête l’image romantique de l’illustrateur passionné, qui dessine plus qu’il ne respire. Mais si, vous savez très bien de quoi je parle: celui qui est forcément torturé, toujours incompris, et qui finira sûrement par se couper une oreille^^

Le carnet de croquis fait parti des basiques, de cette petite liste que l’on a en tête quand on souhaite se lancer, ou offrir un starter pack dessin. Pourtant pour moi cela n’a jamais été une évidence.

Depuis longtemps je réalise des carnets de voyages, qui sont consacrés bien évidemment à mes vacances, weekends, aux événements dont je veux garder une trace. Vous trouverez dedans beaucoup de choses: des textes, des citations, des collages réalisés à partir de choses symboliques que je collecte comme les billets de train ou d’entrée de musées. Et beaucoup de dessins, mais très peu de moi. Ce sont ceux d’artistes amis ou connaissances plus ou moins proches.

La raison ? De la timidité et du manque de confiance en soi. Un cocktail détonnant pour vous mettre seul tout un tas de barrières et brider votre créativité. J’ai trop longtemps laissé au regard des autres une place trop importante et non méritée dans ma pratique du dessin. Et les carnets de croquis, ces graals qui montrent votre potentiel, votre évolution et que tout le monde veut feuilleter, étaient pour moi une source de stress. Quand on manque de confiance, on a tendance à placer toutes les petites choses négatives, tous ces petits traits que l’on estime mauvais, au-dessus de tous ceux qui sont splendides. Et je parle bien ici de valeur. Car on part du principe (et sans s’en rendre compte bien souvent) que tout le monde verra forcément les choses comme nous et donc les mêmes défauts.

Je les désirais parfaits, ces carnets, de la première à la dernière page, sans un trait de trop, admirant ceux qui les collectionnaient, les montraient avec fierté.

Mais jamais je n’étais satisfaite, et quand je l’étais, je cachais mes dessins, de peur des jugements.

Il m’auras fallu du temps (énormément) et de la consolidation de confiance pour enfin apprécier à sa juste valeur cet outil magique.

Il m’aura fallu du temps pour intégrer que les formes d’art sont aussi nombreuses et différentes qu’il y a d’artistes mais surtout, que cela s’appliquait également à moi et que peu importe le jugement esthétique que porteront « les autres », il ne faut pas s’empêcher de s’exprimer par son crayon, par ses mots. Se considérer soi-même artiste arrive souvent bien après que votre entourage, votre communauté sur les réseaux sociaux, vous considère comme tel.

Alors ne faites pas comme moi et griffonnez, gribouillez, que vous estimiez cela beau ou non. Surtout si vous en avez envie. Ne mettez pas de côté le potentiel qu’il peut vous offrir. Et il n’est jamais trop tard pour ça !

Un carnet de croquis c’est:

  • Un lieu magique où tout reste à construire
  • Un endroit pour découvrir, étaler et étoffer votre univers
  • Un lieu d’expérimentation où tâtonner est bienvenu
  • Un espace d’entraînement mais aussi d’amusement
  • Un endroit ouvert ! Dessinez, écrivez, collez, arrachez !
  • Un lieu spécifique attaché à un projet ou un lieu fourre-tout
  • Un biais pour se découvrir, se connaître, s’affirmer
  • Et surtout, tout ce que vous souhaitez qu’il soit

Maintenant à savoir s’il est indispensable ? Dans un starter pack je dirais oui: cela offre un lieu d’expression et que ce soit pour vous ou pour offrir, vous aurez le temps d’explorer au fur et à mesure l’univers merveilleux des papiers et autres blocs ainsi que des médiums.

Pour les autres cas ? Cela dépend entièrement de vous: faites-vous confiance !

Mais voici quelques questions que vous devriez vous poser:

  • Quelle utilisation ? régulière ou anecdotique ?
  • Quel format ? Il dépendra de plusieurs facteurs: le transporter dans votre sac quotidiennement ? le laisser sur votre bureau ? Quoiqu’il en soit, il vous faudra en tester plusieurs avant de trouver votre « format idéal »
  • Couverture souple ou dure ? Idem que pour le format, cela dépend de l’utilisation que vous envisagez
  • Quel grammage de papier ? Cela dépend à la base du médium utilisé mais… surtout de vous. Personnellement, j’utilise principalement du papier aquarelle pour mes dessins aux crayons de couleur.

Ce carnet, c’est une extension de vous, alors n’en ayez pas peur ! Mais ne le sacralisez pas, ne vous mettez pas trop de pression 😉

Et vous ? Vous êtes de la team carnet de croquis ou non ? Quelle en est votre utilisation si vous en possédez ? Dites-le moi en commentaire !

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